Znane slikarske obleke, po katerih je mogoče presoditi, kakšna je bila moda tega obdobja

2024 Avtor: Richard Flannagan | [email protected]. Nazadnje spremenjeno: 2023-12-16 00:17

Umetnost in moda sta že od nekdaj vplivali drug na drugega, kar je prisililo kritike in fashioniste, da pozorno sledijo novim trendom, ki se naglo nadomeščajo. Medtem ko so nekateri ocenjevali sliko glede tehničnih značilnosti, so drugi stekli k krojačem, da bi kmalu dobili obleko, točno takšno kot junakinje, upodobljene na platnih.

1. renesansa

Renesansa je bila čas kulturnega in umetniškega preporoda, saj se je klasicizem revolucionarno vrnil v evropske družbe. Vendar pa je to obdobje doživelo tudi pomembne spremembe v modi. Oglejte si, kako so znane obleke na slikah vplivale na modo v času renesanse.

"Portret para Arnolfini" Jana van Eycka je eden glavnih elementov preučevanja tkanin v portretnem slikarstvu. Žensko smaragdno zeleno volneno oblačilo in rokavi s podstavki iz hermelina dokazujejo družinski status, saj so si tovrstne tkanine lahko privoščili le bogati. Volna, svila, žamet in krzno so bili redki in dražji za proizvodnjo kot bombaž ali lan in so bili simbol statusa in bogastva. Eno najbolj kontroverznih vprašanj, povezanih s sliko, je, ali je upodobljena ženska (domnevno Arnolfinijeva žena) noseča. Renesančna krila so bila tako bujna in težka, da so jih ženske dvignile, da so se lažje premikale.

Dodane ukrivljene gube obleke kažejo tudi trend upodabljanja žensk z izrazitim trebuhom, saj je nakazovalo spočetje otrok med poroko. Drug primer tega je Les Très Riches Heures du Duc de Berry bratov Limburg. Na obeh slikah so ženske upodobljene z bolj zaobljenim trebuhom. Veličastna knjiga ur vojvode Berryja prikazuje poroko in je primerljiva s portretom Arnolfinija, saj obe ženski projicirata podobo materinstva v pričakovanju nosečnosti. Ne da bi na sliko gledali s sodobnega vidika, jo lahko vidimo kot zapis o tem, kaj so nosile ženske in kaj je bilo pomembno, da so ljudje pokazali drugim.

2. Doba baroka in rokokoja

Za obdobja baroka in rokokoja so značilni izvrstni dekor, dekadenca in igrivost. Te težnje so se pokazale ne le v umetnosti, ampak tudi v modi skozi zapletene okraske in razkošne obleke. Oglejte si nekaj znanih oblek, navdihnjenih z umetnostjo.

Pozornost neznanega umetnika na detajle in obleko je tisto, zaradi česar sta Elizabeth Clark Frick (gospa John Frick) in Little Mary pomembna plošča puritancev Nove Anglije. V tem videzu Elizabeth nosi fine ameriške tkanine in dodatke iz leta 1600. Njen bel čipkast ovratnik kaže na priljubljeno evropsko čipko, ki jo najdemo med aristokratskimi ženskami. Izpod njene obleke je vidna zlato vezena žametna spodnja podloga, trakovi pa krasijo rokave. Tudi ženska ima nakit: biserno ogrlico, zlati prstan in granatno zapestnico, kar govori o statusu in blaginji. Ta slika ponuja edinstven pogled na puritansko življenje Elizabete in njene družine.

Omeniti velja tudi dejstvo, da je umetniku mojstrsko uspelo mešati podobe bogastva v skromnem okolju. Slika jasno prikazuje Elizabethino bogastvo in poudarja njena najboljša oblačila in nakit. Odraža tudi bogastvo njenega moža Johna Fricka, ki si je lahko privoščil izpolniti vse ženine muhe, tako da ji je kupil različne vrste oblek in nakita. Poleg tega slika simbolizira njihov puritanski odnos hvaležnosti do Boga, saj brez njegovega blagoslova ne bi mogli imeti takega razkošja.

The Swing Jean-Honore Fragonard je primer rokokojskega sloga v francoskih aristokratskih krogih. Slika je bila naročena zasebno, ko je francoski dvorjanin umetnika prosil, naj nariše svoj portret in njegov ljubice. Kljub temu, da je bila slika zaprta za vrati, razkriva razkošje, lahkomiselnost in skrivnost francoskega kraljevega dvora.

Pastelno roza obleka izstopa med bujnim vrtom in je v središču pozornosti. Jean je obleko naslikal z ohlapnimi potezami čopiča, ki posnemajo široka krila in nabrane stezne obleke. Njegov ohlapen čopič se ujema z zapletom te idilične vrtne scene, polne spogledljivih in muhastih podob.

Njegova slika prikazuje tudi trende, ki so na francoskem sodišču postavljeni za modo. Rokoko je presegel modo, umetnost in arhitekturo, da bi ustvaril nekaj edinstveno francoskega. Moda rokokoja je vključevala najrazkošnejše tkanine, vključno s svilemi pastelne barve, žametmi, čipkami in cvetličnimi vzorci, pa tudi preveliko količino lokov, draguljev, volanov in okrasnih okraskov, da bi ustvarili videz, na katerega bi se zbrali dvorjani in gostje. imajo glavo. Slog je opredelil razliko med revnimi in bogatimi, saj si je aristokracija lahko privoščila razkošje izvrstnih tkanin in okraskov. Za ženske, ki nosijo te obleke, navdihnjene z rokokojem, je slika utelešenje francoskega kraljevega dvora pred revolucijo.

3. Znane obleke na slikah XIX stoletja

V 19. stoletju je prišlo do umetniškega premika od neoklasicizma do zgodnjega modernizma, ki je odstopil slogom in šolam mišljenja. V tem stoletju se je spremenila tudi moda. Preberite, kako so slike vplivale na nastanek znanih oblek in stilov, ki so bili opazno modernejši kot prej.

Umetnost za umetnost je s Simfonijo v belem številu 1 povezal James Abbott McNeill Whistler, ki je nameraval sliki dati duhovni pomen. Kritiki pa vsega tega niso videli, saj je na sliki upodobljena umetnikova ljubica, oblečena v svetlo belo obleko. Posledično je ta portret postal škandalozen. V 19. stoletju so ženska oblačila pogosto vsebovala spodnjo spodnjo podlogo iz krinolina iz jekla. Ženske so nosile steznike tudi med drugimi spodnjim perilom, da bi lahko ustvarile širša krila.

"Žena v belem" je popolno nasprotje tistega, kar je bilo takrat modno in odmevno. Obleka glavnega junaka, upodobljenega na sliki, je bila nekakšno spodnje perilo, ki ga je videl mož ali ljubimec, saj je veljalo, da je takšna oblačila zelo enostavno sleči. Za Whistlerja naj bi bila njegova muza del prizora, ki je bil prijeten za oko. Hiffernana je upodobil takšnega, kot ga je videl, za takratne gledalce pa je bila slika tako zmedena kot malce nespodobna. Vendar je s prihodom leta 1900 takšna obleka postala norma za vsakodnevno nošenje.

James Tissot je v poznih 1800 -ih ustvaril številne slike, ki prikazujejo žensko modo. Bil je pred evropsko modo in je znan po tem, da svoje teme slika z mislijo na najnovejše modne trende. Ženska moda se je začela spreminjati med mladimi damami v Parizu in Londonu v poznih 1800 -ih. Široka in težka krila njihovih viktorijanskih predhodnikov so zamenjala ožja z napihnjenimi gubami na hrbtu.

Na sliki "Miss Lloyd" je junakinja oblečena v obleko, kot so jo takrat nosili v družbi, s poudarkom na ozkem pasu in peščeni uri. "Portret Kathleen Newton" (njegove takratne spremljevalke) je popolno nasprotje podobe gospodične Lloyd. Umetnik je upodobil žensko v obleki, kot da izžareva lenobo in zapeljivost. Vendar pa imata obe ženski svoj poseben čar in skrivnost. Obleka sama simbolizira razlike v takratni popularni kulturi. Ena podoba je tradicionalna in konvencionalna, druga pa odkrito intimna in škandalozna za gledalce v 1800 -ih.

John Singer Sargent je ustvaril podobo ženske, ki je, čeprav za njegov čas nesprejemljiva, postala ena njegovih najbolj prepoznavnih in cenjenih slik. To je portret Madame Virginie Gautreau, ameriške lepote, pomešane s francosko visoko družbo. To je povzročilo tak škandal, da je moral sam John oditi iz Pariza v London.

Njen steznik je izredno usmerjen proti spodnjemu delu trebuha. Ostri, globoki v-izrez in naramnice s kroglicami komaj pokrivajo ramena in razkrivajo tiste, ki so veljali za intimne dele ženske, neprimerne za javno razkazovanje. Potem ko je Sargent sliko predstavil na pariškem salonu leta 1884, je to povzročilo ogorčenje kritikov in gledalcev, ker ni primerno, da je poročena ženska višjega razreda v tako provokativni obliki. Občinstvu v Salonu se je zdelo, da je junakinja slike oblečena v spodnje perilo, ne v obleko. In ugled Gautreauja v očeh ljudi je začel padati na nič, ker so jo mnogi imeli za nespodobno osebo. Sčasoma je Sargent s portreta odstranila njeno ime in ga preimenovala v "Madame X".

4. Znane obleke na slikah dvajsetega stoletja

Umetnost v dvajsetem stoletju se je osredotočala na abstrakcijo in izražanje, pri čemer je doživela pomembne spremembe z novimi slogi in temami. Pripeljal je tudi do raziskovanja novih oblik in sinteze mode in umetnosti. Tu so prikazane slavne obleke, predstavljene na slikah v dvajsetem stoletju.

Zlata obleka Adele Bloch-Bauer izstopa iz preostalih oblačil visoke družbe svojega časa. Namesto da bi upodobil žensko višjega razreda, ki se sprošča na vrtu ali bere na kavču, Klimt spremeni Adele v podzemeljsko podobo. Njena obleka je vrtinčasta figura, napolnjena s trikotniki, očmi, pravokotniki in ikonografijo. Ni znakov ravnih vezalk ali slojev oblačil. Moderna vsebuje teme narave in mitske podobe. To velja tudi za boemsko modo, ki jo je sam Gustav nosil in uporabljal na različnih drugih slikah.

Pogosto je slikal risbe, ki jih je ustvarila modna oblikovalka Emily Flege. V svetu mode ni tako znana kot njeni sodobniki ali predhodnice, vendar se je pri ustvarjanju mode za ženske svojega časa dobro odrezala. Včasih je šlo za sodelovanje, saj je Gustav njene slavne obleke uporabljal na številnih drugih slikah.

Tamara Lempicka je ustvarila portrete, ki so v dvajsetih letih 20. stoletja raziskovali ženskost in neodvisnost. Umetnica Art Deco je postala znana po svojih portretih zvezdnikov, ki so raziskovali stilizirano in polirano obliko kubizma, ki je postala njen zaščitni znak. Ira Perrault (bližnja prijateljica in verjetno ljubica Lempickega) je videti kot dobesedna manifestacija glasbe v La Musiciennu. Kar izstopa na sliki, je upodobitev modre obleke. Tamarina stroga tehnika odlivanja senc s svojo bogato barvno paleto daje obleki gib, tako da se zdi, da lebdi v zraku. Kratek rob obleke in tekoče gube še vedno spominjajo na modo iz dvajsetih let 20. stoletja, ki je bila prelomnica v ženski modi. Ženske so nosile obleke, ki so razkrivale noge in roke, ter nagubana krila, ki so olajšala ples.

Tamaro so navdihnili in preučevali renesančni mojstri in uporabljala podobne teme s sodobnim pristopom. Tradicionalno je modra na oblekah Device Marije v srednjeveških ali renesančnih slikah. Ultramarinsko modra je bila redka in je bila uporabljena za pomembne slike.

Pisane in ročno izdelane mehiške tkanine so vtkane v delo Fride Kahlo. Ta oblačila je sprejela kot del svoje zapuščine in jih nosila na številnih avtoportretih in fotografijah. Znane obleke, predstavljene v The Two Fridas, simbolizirajo njene vezi z obema stranema njene evropske in mehiške dediščine.

Frida na levi odraža njeno vzgojo v družini višjega srednjega razreda. Njen oče je bil po rodu iz Nemčije, domače življenje kot otrok pa je vsebovalo zahodne običaje. Bela čipka obleke simbolizira slog, priljubljen v evropski modi. Ta zahodnjaška različica je v nasprotju z željo desničarke Fride, da s tradicionalno obleko objame svojo mehiško dediščino. Ta oblačila so nekaj, kar je spodbujal njen mož Diego Rivera, zlasti v njihovem boju za spremembo države. Obleka je pokazala ponos, da je nosila lokalna in tradicionalna oblačila iz Mehike.

Kahlova oblačila so pomemben vidik njenega življenja in dela. Ko je kot otrok prebolela otroško paralizo in je ena noga postala krajša od druge, so ji pisana krila postala način, da skrije nogo tako, da jo zaščiti pred pregledom. Umetnikova garderoba je vključevala obleke tehuana, bluze iz huipila, rebozo, cvetlične pokrivala in starinski nakit. Ti kosi oblačil za Kahlo so ponazoritev njene ljubezni, bolečine in trpljenja, ki jih je vključila v svoje delo.

Približno, kako se je kimono skozi stoletja spreminjal in kakšno vlogo je imel v umetnosti in sodobni modi, preberite v naslednjem članku.