7 nadarjenih nadrealistk, ki bi lahko bile vredne tekmice Fride Kahlo

2024 Avtor: Richard Flannagan | [email protected]. Nazadnje spremenjeno: 2023-12-16 00:17

Nadrealizem ni bil le umetniško gibanje, ampak tudi želja po svobodi, ki je zajela vse vidike življenja. Kot je rekel Meret Oppenheim, so nadrealistične ženske živele in delale z "zavestno željo po svobodi". Tako kot njihovi moški so bile nadrealistke tudi politične aktivistke, zagovornice pravic žensk in revolucionarne borke. Živeli so izjemno kot svobodni posamezniki, izumili so svojo lepoto in dostojanstvo, izrazili takojšnjo energijo, privlačnost in humor, zato ne preseneča, da so nekateri presegli ne le moške umetnike, ampak tudi legendarno Frido Kahlo, katere slike so bile uporabljene že vrsto let izjemno priljubljen po vsem svetu.

Ko je osemnajstletna Violetta Nozières 21. avgusta 1933 priznala, da je zastrupila svojega očeta, je francoski tisk eksplodiral nad njo. Po mnenju javnega mnenja je bila Violetta "lahkomiselno dekle", ki je kazalo težnje, značilne za novopečene "emancipirane" ženske, ki so v nasprotju s svojimi pridnimi vrstnicami vodile razpuščeno življenje. Ni bilo pomembno, ali so obtožbe resnične, v vsakem primeru se je tisk odločil, da iz nje naredi grešnega kozla.

Pa vendar je še vedno slišal osamljen glas nestrinjanja: nadrealisti so pokazali svojo podporo kolektivni ustvarjalnosti in izbrali Violetto za svojega Črnega angela, muzo, ki jih bo navdihnila za nenehen boj proti meščanski miselnosti in njenim mitom o zakonu in redu, logiki in razlog. Sistem, ki je privedel do družbene neenakosti postindustrijske dobe in do grozote prve svetovne vojne, je bil po mnenju nadrealistov nepopravljivo napačen. Da bi ga premagali, je bila potrebna ne le politična, ampak tudi kulturna revolucija.

Tako je bila emancipacija žensk temeljnega pomena za rušenje kapitalizma in patriarhata, začenši z izzivom meščanskega dojemanja žensk kot same po sebi dobre, nesebične, podrejene, nevedne, pobožne in poslušne.

Poezija. Svoboda. Ljubezen. Revolucija. Nadrealizem ni muhast eskapizem, ampak razširjeno zavedanje. Pomanjkanje meja in cenzure sta zagotovila varno mesto za razpravo in obdelavo kolektivnih travm prve svetovne vojne, prav tako pa sta omogočila odprtje ustvarjalnih potreb žensk.

Čeprav so bile dobrodošle in aktivno vključene v gibanje, je bilo nadrealistično razumevanje žensk še vedno zelo globoko zakoreninjeno v idealizacijskih stereotipih. Ženske so bodisi dojemali kot muze in predmete navdiha, bodisi so vzbujali občudovanje kot infantilne figure, obdarjene z bujno domišljijo zaradi svoje naivnosti in nagnjenosti k histeriji.

Ženske identitete so z delom nadrealističnih žensk resnično dobile priložnost za razcvet, trdno utrjene v svetu umetnosti, saj so si prisvojile mit o muzi, da izrazijo svoj polni potencial kot aktivne ustvarjalke. Dolgo časa so bile umetnice se jih spominjamo predvsem po svojih odnosih, pogosto sentimentalnih. Šele pred kratkim so njihovo delo neodvisno analizirali in mu namenili pozornost, ki si jo zasluži.

1. Valentine Hugo

Valentina Hugo se je rodila leta 1887 in se kot umetnica izobrazila na Pariški šoli za likovno umetnost. Odraščala je v razsvetljeni in napredni družini, sledila je očetovim stopinjam, postala ilustratorka in risarka. Znana po svojem delu z ruskim baletom, je razvila močne poklicne vezi z Jeanom Cocteaujem. Hugo je prek Cocteauja leta 1917 spoznal svojega bodočega moža Jeana Huga, pravnuka Victorja Huga, in Andréja Bretona, ustanovitelja nadrealističnega gibanja.

Zahvaljujoč temu prijateljstvu se je vedno bolj zbližala z novo oblikovano skupino umetnikov, v kateri so bili Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso in Salvador Dali. V tem času se je pridružila Uradu za nadrealistične študije in razstavljala svoja dela v nadrealističnih salonih leta 1933 ter na razstavi Fantastična umetnost, Dada, nadrealizem v Muzeju sodobne umetnosti leta 1936.

Samomor svojih nadrealističnih kolegov Reneja Crevela in odhod Tristana Tzare in Éluarda je za vedno zapustila skupino nadrealistov. Leta 1943 je bila njena beseda vključena v razstavo 31 žensk Peggy Guggenheim. Njena prva retrospektivna razstava je bila v francoskem Troyesu leta 1977, deset let po njeni smrti.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim se je rodil v Berlinu leta 1913, vendar se je ob začetku prve svetovne vojne preselil v Švico. Njena mama in babica, ki sta odraščali v uspešni družini, sta bili volilki. Babica je bila ena prvih žensk, ki se je učila slikanja. Meret je na svojem domu v Karonu spoznala številne intelektualce in umetnike, na primer dadaistična slikarja Hugo Ball in Emmy Hennings, pa tudi pisateljico Hermann Hesse, ki se je poročila s svojo teto (in se pozneje od nje ločila).

Njen oče, zdravnik, je bil tesen prijatelj Carla Junga in se je pogosto udeležil njegovih predavanj: Meret je predstavil analitični psihologiji in jo spodbudil, da že od malih nog vodi sanjski dnevnik. Zaradi tega znanja je bil Meret morda edini nadrealist, ki je imel avtoriteto v psihoanalizi. Zanimivo je, da je bila tudi ena redkih nadrealistov, ki so imeli raje Junga kot Freuda.

Leta 1932 se je preselila v Pariz, da bi nadaljevala svojo umetniško kariero in prek švicarskega kiparja Alberta Giacomettija vzpostavila stik s nadrealizmom. Kmalu se je spoprijateljila s preostalo skupino, v kateri so bili takrat Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dali, Ernst in Rene Magritte.

Ko je leta 1936 s Picassom in Doro Maar sedel v pariški kavarni, je na Oppenheimovem zapestju opazil nenavadno zapestnico s krzneno podlogo, namenjeno hiši Else Schiaparelli. V eksplicitni različici dogodkov je Picasso komentiral, koliko stvari bi lahko užival s kosom krzna, na kar je Oppenheim odgovoril: "Tudi ta skodelica in krožnik?"

Rezultat tega igrivega posmeha je bil najbolj znan nadrealistični predmet Oppenheima, Déjeuner en Fourrure, ki ga je Alfred Barr kupil za novo ustanovljeni Muzej sodobne umetnosti. Kot "kvintesenca nadrealističnega predmeta" je skodelica s krznom postala umetnikovo prvo delo v stalni zbirki muzeja. Medtem ko so njeni moški kolegi navdušeno sprejeli njeno delo, se je še vedno trudila, da bi se uveljavila kot umetnica po svojih zaslugah in se izognila temu, da bi bila muza in predmet navdiha.

Njena neodvisnost, emancipacija in upor so jo v očeh moških kolegov naredile kot fetišizirano utelešenje žensk. Ta boj za identiteto, vpliv antisemitizma na prakse njenega očeta in nadrealistična diaspora med drugo svetovno vojno so prisilili Meret, da se vrne v Švico. Tu je padla v globoko depresijo in skoraj dvajset let izginila iz javnosti.

Aktivno delala v šestdesetih in sedemdesetih letih, se je sčasoma distancirala od gibanja in zavrnila sklicevanja na nadrealizem iz časov Bretona. Naklonjena feminizmu pa nikoli ni izdala svojega jungijskega prepričanja, da ni razlike med moškimi in ženskami, saj je odločno zavrnila sodelovanje na razstavah "samo za ženske".

Njeno življenjsko poslanstvo je bilo rušiti konvencije in stereotipe o spolih, popolnoma presegati delitev spolov in ponovno pridobiti popolno svobodo izražanja., - je rekla.

3. Valentine Penrose

Ena najbolj kritičnih in nepoštovalnih nadrealističnih umetnic, Valentina Penrose je veliko svojega življenja posvetila uničevanju meščanskega dojemanja žensk kot prvotno dobrih, nesebičnih, častijo moža, podrejenih, nevednih, pobožnih, pridnih, poslušnih žena in hčera.

Ena prvih žensk, ki se je pridružila gibanju, je bila Penrose navdušena nad primeri neortodoksnih žensk in je tudi sama živela nekonvencionalno življenje. Rojena leta 1978 kot Valentina Bouet, se je leta 1925 poročila z zgodovinarjem in pesnikom Rolandom Penrosejem in si privoščila njegov priimek. Z možem se je leta 1936 preselila v Španijo, da bi se pridružila delavski milici v obrambo revolucije. Zanimanje za mistiko in vzhodnjaško filozofijo jo je večkrat pripeljalo v Indijo, kjer je študirala sanskrt in vzhodno filozofijo. Valentino je še posebej zanimal tantrizem, v katerem je odkrila dragoceno alternativo nadrealistični obsedenosti z »genitalno« privlačnostjo, na katero je vplivala Freudova psihoanaliza.

Verjela je, da nadrealistični pogled na ženske kot nujno "drugo polovico" na koncu ni osvobodil žensk njihovih meščanskih vlog in jim preprečil, da bi našli samostojno pot. Njeno naraščajoče zanimanje za okultno in ezoteriko je sčasoma zabila klin med njo in možem, kar je privedlo do ločitve leta 1935. Naslednje leto je s prijateljico in ljubimko Alice Paalen spet odpotovala v Indijo. Toda potem, ko sta se dve ženski ločili, je lezbijstvo postalo ponavljajoča se tema v Penrosejevem delu, pogosto osredotočeno na lika Emily in Rubijo. Njen kolažni roman Feminine Darila iz leta 1951 velja za arhetipsko nadrealistično knjigo. Knjiga prikazuje dogodivščine dveh zaljubljencev, ki potujeta skozi domišljijske svetove, in je razdrobljena zbirka dvojezične poezije in soporednih kolažev, organizirana brez zaporedja in s povečano stopnjo kompleksnosti.

Vedno izpodbija stereotip o idealni ženski, leta 1962 je objavila svoje najbolj znano delo, romantično biografijo serijske morilke Erzbiete Bathory, Krvava grofica. Roman, ki sledi lezbični gotski pošasti, je zahteval leta raziskav v Franciji, Veliki Britaniji, na Madžarskem in v Avstriji. Vedno zaprta za svojega bivšega moža je zadnja leta svojega življenja preživela v njegovi kmečki hiši z njegovo drugo ženo, ameriško fotografkinjo Lee Miller, znana tudi kot Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon je ustvaril veliko različnih likov, da bi se izognil diskriminaciji in predsodkom, začenši z izbiro psevdonima, spolno nevtralnega imena, ki ga nosi večino svojega življenja. Kaon je simbolni primer umetnika, ki je v svojih časih ostal skoraj neznan, v zadnjih letih pa je pridobil popularnost in priznanje ter bil eden najbolj znanih med nadrealistkami. Pogosto velja za predhodnico postmoderne feministične umetnosti, njena umetnost spola in razširjena opredelitev ženskosti, ki jo je predstavila, sta postala temeljna precedensa v postmodernem diskurzu in feminizmu drugega vala.

Caon je prišla v stik s nadrealisti prek združenja Écrivains et Artistes Révolutionnaires, kjer je leta 1931 spoznala Bretona. V naslednjih letih je s skupino redno razstavljala: njena slavna fotografija Sheile Legg, ki stoji na Trafalgarjevem trgu, se je pojavila v številnih revijah in publikacijah. Kljub revolucionarnemu položaju so komunisti menili, da je homoseksualnost razkošje, ki si ga lahko privošči le razpuščena elita.

Claude je živel s svojo polsestro in vseživljenjsko partnerico Suzanne Malherbe, ki je sprejela tudi moški psevdonim Marcel Moore. Neenakost v plačah je ženskam namerno odvzela možnost, da bi bile samozadostne, zato so se morale za preživetje zanašati na ekonomsko podporo očeta Kaona. Brez zunanjega občinstva je Kaonova umetnost nastala predvsem v domačem okolju, kar je nefiltrirano pogledalo na njihovo umetniško eksperimentiranje. Claude je z maskami in ogledali razmišljal o naravi identitete in njeni pluralnosti, kar je predstavljalo precedens za postmoderne umetnike, kot je Cindy Sherman.

Claude je s svojimi fotografijami zavrnila in presegla modernistične (in nadrealistične) mite o bistveni ženskosti in idealni ženski ter predstavila postmoderno idejo, da sta spol in privlačnost v resnici konstruirana in izvedena, realnost pa se ne nauči le skozi izkušnje, ampak jo definira skozi diskurz. Med nemško invazijo sta bila Claude in Marseille aretirana zaradi svojih protifašističnih prizadevanj in obsojena na smrt. Čeprav so dočakali dan osvoboditve, se Claudevo zdravje ni nikoli povsem okrevalo in leta 1954 je na koncu umrla pri šestdesetih letih. Marcel jo je preživel nekaj let, nato pa leta 1972 naredil samomor.

5. Maria Cherminova (Toyen)

Rojena Maria Cherminova, bolj znana kot Toyen, je bila del češkega nadrealizma in je delala skupaj s nadrealističnim pesnikom Jindřichom Štyrskim. Tako kot Kaon je tudi Toyen sprejel spolno nevtralen psevdonim. Toyen je dvoumen lik, ki je popolnoma kljuboval spolom spolov, nosil je moška in ženska oblačila ter sprejel zaimke obeh spolov. Čeprav je bila do francoskega nadrealizma skeptična, je njeno delo v veliki meri sovpadalo z bretonskim gibanjem, do tridesetih let pa je umetnica postala sestavni član nadrealizma. Vedno transgresivno, Toyenovo zanimanje za temni humor in erotiko jo je utrdilo v nadrealistični tradiciji hiperseksualne, nepomembne umetnosti, na katero so vplivala dela markiza de Sadeja.

Leta 1909 je Apollinaire v pariški narodni knjižnici našel enega redkih de Sadejevih rokopisov. Globoko navdušen ga je v svojem eseju L'oeuvre du Marquis de Sade opisal kot "najbolj svobodnega duha, ki je kdaj živel", kar je prispevalo k oživitvi de Sadejeve priljubljenosti med nadrealističnimi slikarji. De Sade, v imenu katerega izvirata sadizem in sadizem, je večino svojega življenja preživel bodisi v zaporu bodisi v duševnih bolnišnicah za svoje pisanje, ki je združevalo filozofski diskurz s pornografijo, bogokletstvom in erotičnimi fantazijami o nasilju. Kljub hudi cenzuri so njegove knjige v zadnjih treh stoletjih vplivale na evropske intelektualne kroge.

Tako kot boemi pred njimi so bile njegove zgodbe navdušene nadrealiste, ki so se poistovetili z de Sadejevo revolucionarno in provokativno osebnostjo ter občudovali njegove nasprotujoče si napade na meščanski okus in togost. Sadistični odnos, ki združuje nasilje in privlačnost, je postal sredstvo za sproščanje prirojenih impulzov, skritih v podzavesti: - preberite prvi manifest nadrealizma. Toyen se je piscu svobode poklonil z nizom erotičnih ilustracij za češki prevod Justine Shtyrskega.

Nikoli prisoten politični vidik Toyenove umetnosti pa je postajal vse bolj izrazit, ko so se politične razmere v Evropi poslabšale: serija Tyr razkriva uničujočo naravo vojne skozi ikonografijo otroških iger. Toyen, ki se je leta 1948 po komunističnem prevzemu na Češkoslovaškem naselila v Parizu, je ostala aktivna do svoje smrti leta 1980 in nadaljevala sodelovanje s pesnikom in anarhistom Benjaminom Perejem in češkim umetnikom Jindrichom Heislerjem.

6. Itel Kohun

Med drugo svetovno vojno so se ločili drugi nadrealisti druge generacije, ki so se nagibali k distanciranju in razvili lastne raziskovalne smeri. Umetnice so prevzele nadrealistično idejo o mitski ženski in jo spremenile v močno podobo čarovnice in bitja, ki nadzira njene transformativne in generativne moči. Femme-enfant, ki je navdihnila prvo generacijo nadrealističnih žensk, je zdaj femme-sorciere, gospodarica svoje ustvarjalne moči.

Medtem ko se je zdelo, da umetniki potrebujejo zunanji medij, pogosto žensko telo, kot medij za svojo podzavest, umetnice niso imele takšnih ovir, pri čemer so za osnovo uporabile svoja telesa. Jaz-drugačnost, alter ego, skozi katerega so umetnice raziskovale svojo notranjost, ni bil nasprotni spol, ampak narava sama, pogosto prikazana skozi živali in fantastična bitja.

Za njihovo generacijo, ki je preživela dve svetovni vojni, gospodarsko depresijo in neuspešno revolucijo, sta bila magija in primitivizem osvobajajoča. Za umetnike je bila magija sredstvo za spremembo, ki je združevala in ustavila razvoj umetnosti in znanosti, prepotrebna alternativa veri in pozitivizmu, ki je privedla do grozodejstev vojne. Končno je za ženske okultizem postal sredstvo za rušenje patriarhalnih ideologij in krepitev vloge ženskega jaza.

Ni presenetljivo, da se je Itel Kohun za okultno zanimala pri sedemnajstih letih, ko je prebrala Crowleyjevo opatijo Thelema. Izobraževala se je na umetniški šoli Slade, leta 1931 se je preselila v Pariz. Toda prav v Veliki Britaniji se je njena kariera dejansko razmahnila: po številnih samostojnih razstavah je do konca tridesetih let postala ena vidnejših osebnosti britanskega nadrealizma. Njena pripadnost gibanju je bila kratkotrajna in odšla je po enem letu, ko je bila prisiljena izbirati med nadrealizmom in okultnim.

Medtem ko se je še naprej opredeljivala kot nadrealistična umetnica, ji je prekinitev formalnih vezi z gibanjem omogočila razvoj bolj osebne estetike in poezije. V svojem načinu je uporabila številne nadrealistične tehnike, kot so frotaža, dekalomanija, kolaž, razvila pa je tudi lastne navdihujoče igre, kot sta parsemage in entoptična grafomanija. Usmerjajoč temno silo je Itel pri ženskah spoznal potencial ustvarjanja, odrešenja in vstajenja, ki ju je povezal z naravo in vesoljem.

Njeno delo, ki povleče vzporednice med ohranjanjem narave in emancipacijo žensk, je predstavljalo močan precedens za nadaljnji razvoj ekofeminizma. Iskanje izgubljene boginje je bilo ponovno srečanje žensk z naravo in ponovno odkrivanje lastne moči, potovanje, ki je vodilo k vrnitvi znanja in moči.

7. Leonora Carrington

Leonora Carrington, ena najdaljših in najbolj plodnih nadrealistk, je bila britanska umetnica, ki je med nadrealistično diasporo pobegnila v Mehiko. Rodila se je leta 1917 bogatemu britanskemu proizvajalcu tekstila in irski materi. Zaradi svojega uporniškega vedenja so jo izključili iz najmanj dveh šol. Več kot dvajset let mlajši od večine nadrealistov je Carrington prišel v stik z gibanjem izključno z razstavami in publikacijami.

Leta 1937 je na londonski zabavi spoznala Maxa Ernsta. Takoj sta se zbližala in skupaj preselila v južno Francijo, kjer se je hitro ločil od žene. Takrat je nastalo eno njenih najbolj znanih del, "Avtoportret". Z izbruhom druge svetovne vojne je bil Ernst interniran kot "nezaželeni tujec", vendar je bil po priprošnji Eluarda izpuščen. Ko ga je Gestapo na novo aretiral, je pobegnil iz taborišča za internirance, zaradi česar je poiskal zatočišče v državah, kamor je emigriral s pomočjo Peggy Guggenheim in Varian Fry.

Ker ni vedela nič o usodi Ernsta, je Leonora prodala svojo hišo in zbežala v nevtralno Španijo. Uničena je doživela duševni zlom na britanskem veleposlaništvu v Madridu. V bolnišnici so jo zdravili s šok terapijo in težkimi zdravili, zaradi katerih je imela halucinacije in se je onesvestila. Po zdravljenju je ženska pobegnila v Lizbono, nato pa v Mehiko. Tam se je poročila z mehiškim veleposlanikom Renatom Delucom in z njim živela do konca svojega življenja do svoje smrti leta 2011. Njeno prizadevanje za žensko duhovnost je temeljilo na Grovesovem eseju The White Goddess iz leta 1948, ki je sprožil ponovno zanimanje za pogansko mitologijo. Priljubljen mit za nadrealistične ženske je bil mit o matriarhalnem izvoru človeštva. Navdihnjene s to novo mitologijo so si nadrealistične ženske iz drugega vala zamislile fantastične egalitarne družbe, kjer so ljudje in narava živeli v harmoniji: vizijo prihodnosti, ustvarjeno z ženskami.

Umetnost je tako večplastna, da se je včasih težko odločiti, kaj ti je všeč, in pritegniti pozornost. Digitalno slikarstvo ni bilo izjema., ki presenetljivo odpira številna vprašanja, ki povzročajo dvojne občutke in vtise. Poleg tega zelo malo ljudi ve, kako je to delo postalo del velike umetnosti, za katero so danes številni ljubitelji tega trenda pripravljeni izplačati urejeno vsoto.