9 mojstrovin briljantnih umetnikov, ki so navdihnili odlične modne oblikovalce in ustvarili edinstvene zbirke

2024 Avtor: Richard Flannagan | [email protected]. Nazadnje spremenjeno: 2023-12-16 00:17

Moda in umetnost sta skozi zgodovino roko v roki ustvarila odlično kombinacijo. Mnogi modni oblikovalci so si za svoje zbirke sposodili ideje iz umetniških gibanj, kar je omogočilo interpretacijo mode kot oblike umetnosti, ki v glavnem služi izražanju idej in vizij. Pod vplivom tega so nekateri mednarodno priznani modni oblikovalci ustvarili izjemne zbirke, ki temeljijo na umetniških gibanjih 20. stoletja.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne, rojena leta 1876 v severni osrednji Franciji, je bila znana kot "boginja sloga in kraljica krojenja". Med bivanjem v Rimu je bila navdušena nad umetnostjo in kulturo grške in rimske civilizacije, navdihnila pa sta jo starodavna boginja in kipi. Na podlagi teh umetniških del je oblikovala estetiko svojega sloga in združila elemente grškega kiparstva in arhitekture, da bi ženskemu telesu dala novo dimenzijo. Madeleine je s svojimi spretnostmi pri drapiranju in poševnih oblekah naredila revolucijo v sodobni modi. Za svoje umetniške zbirke se je pogosto posvetovala z umetninami, kot je Krilata zmaga na Samotraki.

Podobnosti med mojstrovino helenistične umetnosti in Vionnovo muzo so presenetljive. Globoko drapiranje tkanine v slogu grškega hitona ustvarja navpične črte svetlobe, ki tečejo po sliki. Skulptura je nastala v poklon Nikeu, grški boginji zmage in je cenjena zaradi svoje realistične upodobitve gibanja. Tekoča zavesa dizajna Vionnet spominja na gibanje valovite tkanine, ki se prilega Nikejevemu telesu. Obleke so lahko kot živa bitja z dušo, kot telo. Tako kot Krilata zmaga na Samotraki je Madeleine ustvarila obleke, ki prebudijo človeško bistvo, skrito globoko v notranjosti. Klasicizem, tako estetska filozofija kot filozofija oblikovanja, je Vionnu dal priložnost, da svojo vizijo prenese v geometrijski harmoniji.

Navdušila so jo tudi gibanja sodobne umetnosti, kot je kubizem. Madeleine je v svoje stvaritve začela vključevati geometrijske oblike in sprejela drugo metodo njihovega rezanja, imenovano rezanje poševno. Seveda Vionne nikoli ni trdil, da je izumil poševni rez, ampak je le razširil njegovo uporabo. Ker so ženske v začetku dvajsetega stoletja dosegle velik napredek v boju za svoje pravice, je Madeleine zagovarjala njihovo svobodo z ukinitvijo dolgotrajnega viktorijanskega steznika iz vsakodnevne ženske obleke. Zato je postala simbol osvoboditve žensk iz omejitev bustierja in namesto tega je izdala nove, lažje tkanine, ki so dobesedno tekle po ženskih telesih.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli je Valentinov glavni oblikovalec in ga zelo privlačijo verska dela srednjega veka. Izhodišče navdiha zanj je prehodni trenutek iz srednjega veka v severno renesanso. Sodeloval je z Zandra Rhodes in skupaj sta spomladi 2017 razvila navdihujočo zbirko. Piccioli je želel povezati punk kulturo poznih 70. let s humanizmom in srednjeveško umetnostjo, zato se je vrnil k svojim koreninam in renesansi, navdih pa je našel v sliki Hieronymusa Boscha Vrt zemeljskih užitkov.

Slavni nizozemski slikar je bil eden najvidnejših predstavnikov severne renesanse v 16. stoletju. Umetnik je v "Vrtu zemeljskih užitkov", ki ga je Bosch naslikal pred reformacijo, želel upodobiti raj in ustvarjanje človeštva, prvo skušnjavo Adama in Eve, pa tudi pekel, ki pričakuje grešnike. V osrednjem podoknu se zdi, da ljudje zadovoljujejo svoje apetite v svetu užitka. Boscheva ikonografija izstopa po svoji izvirnosti in čutnosti. Celotna slika je interpretirana kot alegorija greha.

V svetu mode je slika postala priljubljena, saj so bili različni modni oblikovalci navdušeni nad njenimi motivi. Piccioli, ki je združil obdobja in estetiko, je Boscheve simbole na novo interpretiral z letečimi prosojnimi oblekami, medtem ko je Rhodes ustvaril romantične odtise in vezene vzorce, nekoliko podobne izvirnim umetninam. Barve so bile zagotovo del sporočila, ki so ga oblikovalci želeli posredovati. Tako zbirka letečih sanjskih oblek temelji na severni barvni paleti jabolčno zelenih, bledo rožnatih in modrih jajc.

3. Dolce in Gabbana

Peter Paul Rubens je mojstrsko slikal ženske z ljubeznijo, učenjem in delavnostjo. Svojo "Venero pred ogledalom" je predstavil kot vrhunski simbol lepote. Peter je ekskluzivno upodobil njen svetel obraz in blond lase, ki so v nasprotju s temnolasko služkinjo. Ogledalo je absolutni simbol lepote, ki žensko uokvirja kot portret, hkrati pa subtilno poudarja goloto figure. Ogledalo, ki ga Kupid drži za boginjo, prikazuje odsev Venere kot prikaz erotične privlačnosti in želje. Rubens, ki je bil eden od ustanoviteljev baročne umetnosti, in njegov koncept "barve čez črte" je vplival na več modnih oblikovalcev, med drugim na Dolce & Gabbana. Baročni slog je odstopil od duha renesanse, opustil vedrino in uglajenost ter namesto tega iskal elegance, navdušenja in gibanja.

Modna oblikovalca Domenico Dolce in Stefano Gabbana sta želela ustvariti kampanjo, ki bi slavila čutno in romantično plat ženske lepote. Peter Paul Rubens je bil najprimernejši vir navdiha. Ustvarjanja kultnega dvojca so bila v veliki harmoniji z umetnostjo flamskega umetnika. V tej zbirki so modeli pozirali z veliko plemenitostjo, videti je bilo, kot da bi ravno stopili z ene od Rubensovih slik. Okraski so bili oblikovani tako, da spominjajo na baročna ogledala in vezenine. Ljupkost figur in pastelno barvno paleto je lepo poudarila brokatna roza obleka. Izbira modnih oblikovalcev, ki so vključevali različne modele, je še dodatno prispevala k tipu postave tiste dobe. Ukrivljene linije, ki sta jih uporabljala Dolce in Gabbana, so bile v nasprotju z diskriminacijo različnih tipov telesa v modni industriji.

Kolekcija Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 prikazuje mnoge značilnosti italijanske baročne arhitekture. Ta zbirka se popolnoma ujema z bogato okrašenimi značilnostmi sicilijanskega baročnega sloga. Oblikovalci so se osredotočili na baročno arhitekturo, kakršno vidimo v katoliških cerkvah na Siciliji. Referenčna točka je bila slika Rubensa "Portret Ane Avstrijske". Na svojem kraljevem portretu je Anna Avstrijska upodobljena po špansko. Annina črna obleka je okrašena z navpičnimi črtami zelene vezenine in zlatimi detajli. Umetno oblikovane obleke in ogrinjala iz razkošnega tekstila, kot sta čipka in brokat, so postale glavna značilnost šova Dolce in Gabbana, ki je s svojo ustvarjalnostjo osvojil svet.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobala Balenciaga lahko imenujemo pravi mojster, ki je v dvajsetem stoletju preoblikoval žensko modo. Rojen v majhni vasici v Španiji, je v svoje sodobne projekte vnesel bistvo španske umetnostne zgodovine. Balenciaga je v svoji karieri navduševal španska renesansa. Navdih je pogosto iskal pri španski kraljevi družini in članih duhovščine. Modni oblikovalec je cerkvene predmete in samostanske obleke tistega časa spremenil v nosljive modne mojstrovine.

Eden njegovih velikih navdihov je bil manirist El Greco, znan tudi kot Dominikos Theotokopoulos. Če pogledate kardinala El Greca Fernanda Niña de Guevare, lahko vidite podobnosti med kardinalovim rtom in Balenciagino zasnovo. Na sliki je upodobljen španski kardinal Fernando Niño de Guevara iz časa El Greca v Toledu. Ideje El Greca so bile izposojene iz neoplatonizma italijanske renesanse in v tem portretu predstavlja kardinala kot simbol božje milosti. Manirizem je prisoten v celotni sliki. To je opazno pri podolgovati postavi z majhno glavo, gracioznimi, a bizarnimi okončinami, intenzivnimi barvami in zavračanjem klasičnih mer in razsežnosti.

Balenciagina strast do zgodovinskih oblačil je razvidna iz tega ekstravagantnega večernega plašča iz njegove zbirke iz leta 1954. Imel je vizijo in sposobnost izumljanja oblik na sodoben način. Pretiran ovratnik tega plašča odseva vrečast slog kardinalovega rta. Rdeča barva kardinalovih oblačil simbolizira kri in njegovo pripravljenost umreti za vero. Slavni oblikovalec je živahno rdečo označil za izjemno, saj je pogosto favoriziral drzne barvne kombinacije in živahne odtenke. Njegova velika inovacija je bila odprava pasu in uvedba tekočih linij, preprostih krojev in tričetrtinskih rokavov. S tem je Balenciaga revolucioniral žensko modo.

Oblikovalec je predstavil tudi rokave, dolge zapestnice, ki so ženskam omogočile razstaviti svoj nakit. V šestdesetih letih prejšnjega stoletja je Balenciaga s postopnim uvajanjem žensk v delovno industrijo dobil idejo, da bi ženskam, ki jih je oblekel, dal udobje, svobodo in funkcionalnost. Spodbujal je ohlapne, udobne obleke, ki so bile v nasprotju z oblikovalskimi silhuetami dneva.

5. Alexander McQueen

Avstrijski umetnik, mojster simbolike in ustanovitelj dunajskega gibanja za odcepitev, Gustav Klimt je postavil temelje za zgodovino umetnosti 20. stoletja. Njegove slike in umetniška estetika že dolgo navdihujejo modne oblikovalce. Drugi, kot so Aquilano Rimondi, L'Rene Scott in Christian Dior, oblikovalec, ki se je neposredno skliceval na Klimta, je bil Alexander McQueen. V zbirki Resort pomlad / poletje 2013 je oblikoval edinstvene kose, za katere se zdi, da jih navdihuje umetnikovo delo. Če pogledate tekočo črno obleko s ponavljajočim se zlatim vzorcem na vrhu - lahko se spomnite posebne slike. McQueen je uporabil abstraktne, geometrijske in mozaične vzorce v bronastih in zlatih tonih ter jih vključil v svoje modele.

Leta 1905 je Gustav Klimt naslikal sliko "Objem", ki prikazuje par, ujet v nežen objem, ki je postal simbol ljubezni. Avstrijski umetnik je znan po svojih zlatih slikah in popolni kombinaciji abstrakcije in barv, prisotnih v teh delih. Vsi mozaiki imajo bogate zlate tone s kaleidoskopskimi ali naravnimi okraski, ki so močno vplivali na modo. Ta slika je presenetljiva zaradi kontrastnih geometrijskih oblik med oblačili obeh zaljubljencev. Moška oblačila so sestavljena iz črnih, belih in sivih kvadratov, ženska obleka pa je okrašena z ovalnimi krogi in cvetnimi motivi. Tako Klimt mojstrsko ponazarja razliko med moškostjo in ženskostjo. Alexander je za svoja oblačila sprejel nekaj podobnega.

6. Christian Dior

Ustanovitelj impresionizma in eden največjih francoskih slikarjev v zgodovini umetnosti, Claude Monet je za seboj pustil veliko umetniško dediščino. Monet, ki je za navdih uporabil svoj dom in vrt v Givernyju, je na svojih slikah ujel naravno pokrajino. Zlasti na sliki "Umetnikov vrt v Givernyju" mu je uspelo manipulirati z naravno pokrajino v skladu s svojimi potrebami. Kontrast rjave sledi umazanije proti živahni barvi cvetja dopolnjuje prizor. Slavni impresionist je pogosto izbral cvet šarenice zaradi njene vijolične barve, da bi ustvaril učinek svetlega sonca. Ta slika je polna življenja, saj rože cvetijo in pozdravljajo, objemajoč pomlad. Cvetni listi vrtnic in lila, šarenice in jasmin so del pisanega raja, upodobljenega na belem platnu.

V istem smislu je Christian Dior, pionir francoske mode, pustil velik pečat v modnem svetu, ki ga čutimo še danes. Leta 1949 je oblikoval kolekcijo visoke mode za sezono pomlad / poletje. Eden od vrhuncev te razstave je bila ikonična Diorjeva obleka, popolnoma vezena s cvetnimi listi v različnih odtenkih roza in vijolične barve. Dior je v tej funkcionalni obleki odlično ponazoril oba sveta umetnosti in mode ter posnemal Monetovo estetiko. Veliko časa je preživel na podeželju in slikal svoje zbirke na svojem vrtu v Granvilleu, tako kot Monet. Tako je definiral eleganten slog Dior, tako da je v svoje kreacije vključil Monetovo barvno paleto in cvetlične vzorce.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian je bil eden prvih umetnikov, ki je v 20. stoletju ustvaril abstraktno umetnost. Rojen na Nizozemskem leta 1872, je ustanovil celotno umetniško gibanje, imenovano De Stijl. Cilj gibanja je bil združiti sodobno umetnost in življenje. Ta slog, znan tudi kot neoplastika, je bila oblika abstraktne umetnosti, v kateri je bila uporaba samo geometrijskih načel in osnovnih barv, kot so rdeča, modra in rumena, združena z nevtralnimi (črna, siva in bela). Peteov inovativni slog v začetku 19. stoletja je modne oblikovalce prisilil, da so reproducirali to čisto vrsto abstraktne umetnosti. Najboljši primer tega sloga slikanja je Kompozicija z rdečo, modro in rumeno barvo.

Ljubitelj umetnosti, francoski modni oblikovalec Yves Saint Laurent je Mondrianove slike vključil v svoje kreacije visoke mode. Prvič ga je navdihnilo Peteovo delo, ko je prebral knjigo o umetnikovem življenju, ki mu jo je mama podarila za božič. Oblikovalec je umetniku izrazil svojo hvaležnost v jesenski zbirki leta 1965, znani kot zbirka Mondrian. Navdihnjen po umetnikovih geometrijskih linijah in drznih barvah je predstavil šest koktajl oblek, ki so proslavile njegov ikonični slog in dobo šestdesetih na splošno. Vsaka Mondrianova obleka je bila nekoliko drugačna, vse pa so imele preprosto obliko A-oblike in dolžino kolena brez rokavov, ki je kot nalašč za vsak tip telesa.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, rojena leta 1890 v aristokratski družini v Rimu, je kmalu izrazila ljubezen do sveta mode. Začela je razvijati svoj revolucionarni slog, navdihnjen s futurizmom, dado in nadrealizmom. Med napredovanjem kariere je sodelovala s tako znanimi nadrealisti in dadaisti, kot so Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp in Jean Cocteau. Sodelovala je celo s španskim umetnikom Salvadorjem Dalijem.

Eno največjih sodelovanj v zgodovini mode je bilo sodelovanje med Dali in Elso Schiaparelli. Ta obleka je bila ustvarjena s Salvadorjem Dalijem kot del Schiaparellijeve cirkuške zbirke poleti 1938. Obleka se nanaša na Dalijevo sliko, na kateri je upodobil ženske z izkrivljenimi telesnimi razmerji.

Za nadrealistične umetnike je bilo iskanje idealne ženske obsojeno na neuspeh, saj je ideal obstajal le v njihovi domišljiji, ne pa v resnici. Vendar Dalijev namen ni bil prikazati žensk realno, zato njihovo telo sploh ni estetsko. Schiaparelli je želel eksperimentirati s to igro skrivanja in razkrivanja telesa ter ustvariti iluzijo ranljivosti in negotovosti. Obleka z iluzijo solz je bila narejena iz bledo modre svilene krepe, ki se je poklonila Salvadorju in njegovim nesorazmernim ženskam.

9. Gianni Versace

Obdobje pop arta je bilo verjetno najvplivnejše obdobje za modne oblikovalce in umetnike v zgodovini umetnosti. Andy Warhol je bil pionir mešanice pop kulture in visoke mode, zaradi česar je postal ikonični simbol pop art gibanja. V šestdesetih letih je Warhol začel vaditi svojo podpisno tehniko, znano kot sitotisk.

Eno njegovih prvih in nedvomno najbolj znanih del je bil Diptih Marilyn. Za ta del ni navdihnil le pop kulture, ampak tudi umetnostno zgodovino in umetnike abstraktnih ekspresionistov. Andy je ujel dva sveta Marilyn Monroe, družabno življenje hollywoodske zvezde in tragično resničnost Norme Jeane, ženske, ki se je borila z depresijo in zasvojenostjo. Diptih na levi stopnjuje vibracije, na desni pa izgine v temo in nejasnost. V poskusu predstavljanja potrošniške družbe in materializma je posameznike upodobil kot produkt in ne kot ljudi.

Italijanski oblikovalec Gianni Versace je imel dolgoletno prijateljstvo z Andyjem Warholom. Oba moška sta bila navdušena nad popularno kulturo. V čast Warholu mu je Versace posvetil svojo zbirko pomlad / poletje 1991. Ena od oblek je vsebovala Warholove odtise z Marilyn Monroe. V krila in maxi obleke je vključil živahne svilene portrete Marilyn in Jamesa Deana iz šestdesetih let.

In v nadaljevanju teme o modi, lepoti in izrednih idejah preberite tudi o tem, kako sodobni umetniki so ličila spremenili v pravo umetniško delo.