11 najdražjih ameriških umetniških del, prodanih na dražbi v zadnjih 10 letih

2024 Avtor: Richard Flannagan | [email protected]. Nazadnje spremenjeno: 2023-12-16 00:17

Prvo desetletje XXI stoletja se je izkazalo za ugodno za umetniško industrijo: najdražja slika na svetu je bila prodana na dražbi za bajno vsoto, vedno večje zanimanje za umetnost avtohtonih ljudstev in manjšin saj je trajen vpliv družbenih omrežij na estetsko perspektivo opravil svoje delo in odigral eno glavnih vlog. Ameriška umetnost ni bila izjema in nekatere najdragocenejše mojstrovine iz Združenih držav so prehajale iz roke v roko in na dražbah postavljale nove svetovne rekorde.

V dvajsetem stoletju je v ameriški umetnosti prišlo do eksplozije ustvarjalnosti in inovativnosti, ki se odraža v enajstih tukaj naštetih mojstrovinah. Medtem ko so bili nekateri od njih nameščeni v oddelkih za sodobno umetnost velikih dražbenih hiš, je vsak prispeval k ugledu in uspehu ameriške umetnosti nasploh.

1. Norman Rockwell

Prvotno ustvarjena kot naslovnica za Saturday Evening Post, je garderoba Normana Rockwella kmalu postala kultna ikona. V sredini 20. stoletja so plodne Normanove ilustracije pomagale oblikovati nacionalno identiteto in kot ena najstarejših in najbolj priljubljenih bejzbolskih ekip glavne lige v državi so bili Boston Red Sox zanesljiv način, da se dotaknejo srca tudi najtežjih Američanov.

Ta slika, ki prikazuje prepoznavne igralce baseballa in je bila objavljena med upokojitvijo legende baseballa Teda Williamsa, je aktualna še danes in velja za brezčasno sliko. Na sliki je novinec, ki vzbuja nasprotujoča si čustva, saj pripomočki Red Soxa predstavljajo občutek zmagoslavja in slave, medtem ko nerodni novinec ne more pomagati, ne da bi povzročil občutek tesnobe in celo zadrege. Globok čustveni odziv, ki ga je ustvarila na videz preprosta podoba, je nedvomno razlog, da je bila ta slika leta 2014 na dražbi za neverjetnih 22 milijonov dolarjev.

2. Edward Hopper

Edward Hopper, eden najpomembnejših in najvplivnejših umetnikov dvajsetega stoletja, se je med svojimi sodobniki ločil pri ujemanju prizorov vsakdanjega ameriškega življenja s čustveno, a očitno poštenostjo. To je utelešeno v vzhodnem vetru nad Weehawkenom.

Kljub pomanjkanju drame ali očitne lepote je slika napolnjena z napetostjo in čustvi, zlasti zaradi znaka »Za prodajo«, ki lahko pomeni gibanje in napredovanje naprej, hkrati pa vključuje težave in boj, kar povzroča dvoumna čustva. Leta 2013 so to delo prodali pri Christie's za enainštirideset milijonov dolarjev.

3. Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe, ki neprestano črpa navdih iz rastlinskega sveta, je ameriško naravo prevzela v povsem novem obsegu. Namesto prostranih pokrajin in širokih razgledov je za predmet svojih slik izbrala majhne brsti ali posamezne liste, v upanju, da bodo tudi zaposleni Newyorčani dobili priložnost ceniti lepote naravnega sveta.

Eden cvet, ki je na številnih slikah O'Keeffeja, je Jimsonova plevel (navadna droga), strupena rastlina, ki jo je odkrila v bližini svojega doma v Novi Mehiki. Njene slike od blizu, ki prikazujejo občutljivo, a strupeno rožo, se nevarno spremenijo v lepoto in zamrznejo minljivo, zaradi česar je nesmrtna.

Kljub intimnemu podtekstu, ki ga pogosto pripisujejo njenim cvetličnim slikam, je O'Keeffe vztrajala, da gre za poklon lepoti narave in da so takšne interpretacije rezultat kritikovih lastnih projekcij, ne pa njenih namenov. «Pojavil se je v reviji Sotheby's leta 2014. presenečenje in navdušenje javnosti v trenutku, ko je bilo prodano za skoraj petinštirideset milijonov dolarjev, zaradi česar je bilo to najdražje delo umetnice.

4. Mark Rothko

Čeprav se na prvi pogled zdi tako preprosto, da bi lahko vsak s čopičem in platnom naslikal številko 10 - eno najbolj znanih slik Marka Rothka. Pravzaprav to delo predstavlja umetnikovo spretnost tako v instrumentih kot v tehniki. Zdi se, da olja sijejo z nadnaravnim sijajem, ki daje sliki energijo in gibanje. Barvna paleta vzbuja neposredne povezave s toploto, ognjem in strastjo, področja, kjer se rumena sreča z oranžno, rdeča pa v črno, so prežeta z obsesivnim občutkom neznanega.

Kdo ve, kaj je motiviralo enega od anonimnih ponudnikov pri Christie's, ki se je brez obžalovanja ločil z impresivno vsoto dvaindvajset milijonov dolarjev, saj je za svojo zbirko pridobil "št. 10".

5. Andy Warhol

Po upodobitvi Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor in Marlona Branda se je pop umetnik skoraj neizogibno obrnil na King of Rock, da bi dopolnil svoj panteon ameriških ikon. Warholova navdušenost nad popularno kulturo je Elvisa Presleyja postavila kot idealno temo za enega njegovih značilnih sitotiskov. Prekrivajoče se enobarvne podobe, podobne filmu, in zamisel o srebrnem zaslonu, ki se odraža v poliranem ozadju, gledalca popeljejo v svet petdesetih let 20. stoletja za nepozabno doživetje. Ta videz je tako močan, da so ga leta 2014 kupili pri Christie's za ogromnih 82 milijonov dolarjev.

6. Barnett Newman

Med letoma 1958 in 1966 je Barnett Newman (Newman) ustvaril vrsto črnih pigmentov na odprtih platnih. Njihova preprostost in simbolično prepletanje med svetlobo in temo poosebljata občutek slovesnosti in neizmernosti, ki sta nastala zaradi umetnikove izgube brata. Newman je svojo žalost in zaskrbljenost nad smrtnostjo prevedel v umetnine, ki so grobe in napete, a hkrati prefinjene in harmonične.

Sklicevanje na ogenj v naslovu vabi gledalca, da vidi gibanje in strast tudi v linearni streli in enobarvni paleti. Del je zagotovo prižgal ogenj v srcu enega anonimnega ponudnika, ki je leta 2014 od Christie's kupil Black Fire I za 84 milijonov dolarjev.

7. Mark Rothko

"Oranžna, rdeča, rumena" - barve, kot je slika Marka Rothka, pritegnejo oko in čustva iz mnogih razlogov, kot je številka 10. Zdi se, da njena topla barvna paleta oddaja svetlobo iz olja in mejna področja, na katerih postane senca drugačni, zahtevajo posebno razmišljanje. Vendar v nasprotju s številko 10 ta del izžareva vitalnost in ne kaže kančka teme, kar kaže na konec.

Nešteto svetlobnih potez ustvarja različne teksture, od skoraj prozorne do bogate opalescence, kar daje sliki presenetljiv občutek globine. V kombinaciji z ogromnim razponom platna, ki je skoraj 8 čevljev visoko, ustvarja učinek, ki gledalca ovije v intimno sled topline. Zato je bilo to delo Rothka na dražbi Christie's leta 2012 za skoraj oseminseminpetdeset milijonov dolarjev.

8. Edward Hopper

Chop Suei pogosto velja za najbolj popolno sliko Edwarda Hopperja, ker privlači vsa čutila in gledalca povabi, da si v mislih ustvari zgodbo. Tako kot vzhodni veter nad Weehawkenom se Chop Suei osredotoča na bolj umirjene trenutke ameriškega življenja in predstavlja vsakdanji prizor s širokimi potezami čopiča in utišanimi toni.

Namesto fotografskega realizma, h kateremu so si prizadevali številni njegovi vrstniki, ta slog vzbuja učinek spomina ali sanj. Očarljiv in skrivnosten prizor je postavil rekord za Hopperjevo najdražje delo, ko so ga leta 2018 prodali na Christie's za slabih dvainpetdeset milijonov dolarjev.

9. Roy Lichtenstein

Že dolgo preden je bila leta 2015 prodana pri Christie's za petinpetdeset milijonov dolarjev, je medicinska sestra Roya Lichtensteina postala ikonično delo ameriške umetnosti, ki pooseblja izziv pop arta za tradicionalno vizualno umetnost. Pop art je zgled iz sodobnih oglaševalskih kampanj, stripov in komercializma dal svojemu občinstvu novo lečo, skozi katero je bilo mogoče razlagati svet okoli sebe in sporočila, ki so jih prejemali.

Delo medicinske sestre ohranja občutek globine in energije, ki jo ustvarja ogromno polje pikic (namesto strojno izdelanih) pik, ki sestavljajo ženski obraz, rokave in ozadje. V kombinaciji s krepkimi črtami in barvami, ki sestavljajo preostalo podobo, slika visi nekje med parodijo, iskrenostjo in ironijo.

10. Jean-Michel Basquiat

Potem ko je med okrevanjem po prometni nesreči prejel kopijo Greyjeve anatomije, se je Jean-Michel Basquiat zanimal za človeško telo, kar dokazujejo slike, ki jih je ustvaril kot odrasel. Lobanja je ena najbolj prepoznavnih podob, ki se redno pojavljajo v njegovem delu, simbol, ki gradi most med življenjem in smrtjo.

Primer tega je njegovo delo "Brez naslova", v katerem so svetle barve in ostre, kaotične poteze v nasprotju s potopljeno, utišano lobanjo. Slika, ki združuje znanstveno podlago z urbanim slogom, uteleša Basquiatov nov pristop k umetnosti. To so pokazali na razstavi Basquiat, ki je bila neimenovana kot edini razstavljeni kos, in na Sotheby'su, kjer so sliko leta 2017 prodali za sto deset milijonov dolarjev.

11. Andy Warhol

Tako kot Triple Elvis tudi Andy Warhol's Silver Car Crash uporablja kombinacijo sitotiska in srebrne barve, vendar je učinek popolnoma drugačen. Silver Crash poudarja, da čeprav je avtomobil lahko bistvo svobode, industrije in ameriških sanj, ima tudi sposobnost povzročiti smrt, uničenje in katastrofo.

Vabljivo grozljiv prikaz razbitega avtomobila, ki se ponavlja vedno znova in strašljivo prazno platno ob njem, je pritegnil pozornost treh izjemno znanih zbirateljev umetnosti: Giana Enza Speroneja, Charlesa Saatchija in Thomasa Ammana. Anonimni dražbenik Sotheby's je leta 2013 sliko kupil za sto pet milijonov dolarjev, kar je najvišja cena, ki je bila kdajkoli plačana za Warhola.

Nadaljevanje teme - 10 čudovitih krajinskih slik, ki gledalca napolnijo z najbolj resnično »vzvišeno energijo« in dajo morje najrazličnejših čustev.