7 mojstrovin Ermitaža, ki si jih je vredno ogledati leta 2020

2024 Avtor: Richard Flannagan | [email protected]. Nazadnje spremenjeno: 2023-12-16 00:17

Znanstveniki so že dolgo dokazali, da umetnost blagodejno vpliva na zdravje ljudi, saj zmanjšuje stopnjo tesnobe in stresa v telesu. To še posebej velja za likovno umetnost in razmišljanje o lepem. Zato, da bo leto 2020 napolnjeno z ugodnim stanjem telesa in duha, je vredno obiskati Ermitaž in si ogledati najbolj znane razstave muzeja.

"Apostoli Peter in Pavel" El Greca

El Greco je eden najsvetlejših in najbolj izvirnih umetnikov. Grk po poreklu, slikarstvo je študiral v Italiji v delavnici velikega Tiziana. Tehnike olja se je naučil od svojega idola, navdihnile pa so ga tudi umetniške tehnike italijanskega manirizma. El Greco je med kolegi izstopal po izvirnosti dramatično izraznega sloga. V svojih portretih je veliko pozornosti namenjal psihološki karakterizaciji. Na tej sliki iz Ermitaža umetnik predstavlja dve različni vrsti ljudi. Na levi je apostol Peter, ki je trikrat zanikal obstoj Kristusa. Njegov obraz izraža žalost in negotovost, njegove kretnje pa so obarvane s kesanjem in prošnjo. Apostol Pavel, ki je bil, kot veste, prvotno goreč preganjalec kristjanov, na sliki prikazuje duhovno gorečnost pri potrjevanju resnice. Geste z rokami, ki tvorijo kompozicijsko središče dela, izražajo dialog, ki združuje oba apostola.

Sivolasi Peter, zavit v zlato haljo, je nagnil glavo na stran. V levi roki drži svoj simbol - ključ do nebeškega kraljestva. Pavel odločno pritisne levo roko na odprto glasnost na mizi, desna roka se dvigne v potezi razjasnitve, ko gleda neposredno v gledalca. Sveti Peter in sv. Pavel se v delu El Greca pojavljata večkrat in sta upodobljena s presenetljivo doslednostjo. Umetnik vedno prikazuje Petra s sivimi lasmi in brado, pogosto pa nosi modro tuniko v rumenem ogrinjalu. Paul je vedno rahlo plešast, s temnimi lasmi in brado, v rdeči halji čez modra ali zelena oblačila.

"Pokornica Marija Magdalena" od Tiziana

Pokornica Marija Magdalena je portret svete Marije Magdalene Tizian iz leta 1531 s podpisom "TITIANUS" na posodi na levi. Po zapletu gre za žensko z razpuščeno preteklostjo, ki je po evangeliju (Luka 7, 36-50) prišla v hišo farizeja Simona prositi Jezusa za odpuščanje. To je ženska figura, ki jo prikazuje Tizian z debelimi, koncentriranimi potezami in toplimi toni. Paleta poudarja neverjetne oči, prepojene s kristalnimi solzami. Bakreno blond lasje, ki pokrivajo postavo, so neverjetno napisani. Tema kesajoče se Marije Magdalene, ki je dvignila oči v nebesa, je v 16. stoletju v Italiji pridobila veliko popularnost med aristokrati, verskimi voditelji in bogatim srednjim slojem. Pomanjkanje oblačil simbolizira zavračanje Magdalene od nakita, zlata in posvetnih hobijev zaradi vere v Kristusa. Poleg tega zlati lasje in celotna figura Magdalene ustrezajo standardom renesančne lepote.

"Madonna Litta" Leonarda da Vincija

Slika je dobila ime po milanski plemiški družini, v zbirki katere je bila najdena večino 19. stoletja. Leta 1865 je ruski car Aleksander II odkupil platno za Ermitaž, kjer je razstavljeno do danes. To delo prikazuje Madonno, ki doji Kristusovega otroka. Upoštevajte, da na tej sliki ni duhov. Številna Leonardova platna dokazujejo to isto lastnost. Figure so postavljene v temno notranjost z dvema obokanima odprtinama, ki prikazujeta pogled na gorsko pokrajino. Zanimiva podrobnost: na sredini slike, v levi Kristusovi roki, je zlata, ki je simbol strasti Kristusa.

Občutek veselja do materinstva na sliki "Madonna Litta" je še posebej čudovito upodobljen zahvaljujoč bogastvu same podobe Marije - tu je našel svoj zrel izraz Leonardove ženske lepote. Nežen, lep obraz Madone daje napol zaprtim očem in rahel nasmeh posebno duhovnost. Kompozicija slike je presenetljiva s svojo presenetljivo jasnostjo in popolnostjo. Madona z otrokom je bil v srednjem veku pogost motiv krščanske umetnosti in se je nadaljeval tudi v renesansi.

"Lutničar" Caravaggio

Sliko je naročil kardinal Francesco del Monte, ki je pokroviteljil umetnika. Caravaggio je upodobil mladeniča, navdušenega nad glasbo: njegov pogled je poln navdiha, prsti se držijo strun. Lik mladeniča v beli srajci jasno izstopa na temnem ozadju. Ostra stranska osvetlitev in padajoče sence dajejo predmetom skoraj zaznavno prostornino in težo. Predmeti, ki so postavljeni na sliko, pričajo o umetnikovi veliki ljubezni do sveta okoli sebe, njegovi želji po resničnem reproduciranju narave, prenosu materialne kakovosti vsake podrobnosti. Na zvezku, ki leži pred junakom z lutnjo, so zapisane uvodne note madrigala, priljubljenega v 16. stoletju "Veš, da te ljubim".

Ljubezen kot temo tega dela nakazujejo tudi drugi predmeti. Na primer, razpokana lutnja je bila metafora ljubezni, ki ne uspe. Na začetku ustvarjalnosti je Caravaggio mladim pogosto dajal ženstvene lastnosti, ki pa so bile značilne za italijansko umetnost poznega 16. stoletja. Zanimivo je, da se je glasbenik s slike iz Ermitaža pogosto zamenjal za dekle, skladba pa se je imenovala "The Lute Player."

"Dama v modrem" Thomas Gainsborough

Eno najboljših umetnikovih del - "The Lady in Blue" - je ustvaril Gainsborough na vrhuncu svojih ustvarjalnih moči. Lik mlade ženske v odprti obleki iz prozorne bele tkanine nežno izstopa na temnem ozadju. Njeni pudrasti lasje so oblikovani v domiselno pričesko. Veliki kodri padajo čez nagnjena ramena. Svežino mladostnega obraza poudarjajo napol odprte ustnice in mandljeve temne oči. Z rahlim gibanjem desne roke drži modro svileno ruto. Sivkasti, modrikasti, rožnati in beli toni so tu in tam okrepljeni s svetlimi potezami in pomagajo prenašati eleganco in lepoto modela.

Drznost slikarskih tehnik Gainsborougha je osupnila njegove sodobnike. Tako je Reynolds na slikah Gainsborougha opazil "čudne lise in značilnosti", "ki se zdijo bolj verjetno posledica naključja kot zavestnega namena." Ta neakademska tradicija je eden največjih dosežkov Gainsborougha. "Gospa v modrem" je vstopila v Ermitaž leta 1916 iz zbirke A. 3. Khitrovo z oporoko.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn: Vrnitev izgubljenega sina

Ta mojstrovina svetopisemske umetnosti znova potrjuje status Rembrandta kot enega najboljših slikarjev vseh časov in največjega med vsemi starimi mojstri pri upodabljanju biblijskih prizorov. Slika Vrnitev izgubljenega sina, ki jo je umetnik dokončal v zadnjih letih svojega življenja, prikazuje prizor iz prispodobe iz Luke 15: 11–32. Po mnenju izjemnega umetnostnega kritika Kennetha Clarka je platno ena največjih slik vseh časov. Po zgodbi oče tako kot patriarh položi roke na ramena obrito spokornico in oblečen v dotrajana oblačila. Njegove oči so skoraj zaprte. Odpuščanje postane blagoslov skoraj zakramentalnega zakramenta.

To je slika z največjo duhovnostjo, brez vseh anekdotičnih vidikov, v kateri so se vsa gibanja in dejanja ustavila. Prizor se potopi v temo, kot predor, iz katerega bledo sijejo obrazi očeta in njegovega najstarejšega sina. Njihove rdeče obleke dajejo tej temi sijaj. Rembrandt je večkrat slikal na temo izgubljenega sina, toda v tej monumentalni oljni različici je prišel do svojega najbolj vznemirljivega in - zahvaljujoč kontrastu najstarejšega in mlajšega (izgubljenega) sina - psihološko najtežje formulacije.

"Ples" Henrija Matissa

"Ples" je eno najbolj znanih del Henrija Matissa - oda življenju, veselju, fizični zavrnitvi in simbol sodobne umetnosti. Komad je leta 1909 naročil vplivni ruski zbiratelj Sergej Ščukin za okrasitev svojega dvorca. Za svojo preprostost in energijo je ta umetniška orgija pustila neizbrisen pečat v umetnosti 20. stoletja. Ples je bil napisan na vrhuncu favistične estetike in pooseblja emancipacijo tradicionalnih zahodnih umetniških tradicij. Estetska izbira Henrija Matissa za to sliko je leta 1910 v umetniških salonih povzročila pravi škandal. Drzna golota in grobi odtenki so dali sliki izjemen značaj za tisti čas, kar se je v očeh nekaterih gledalcev zdelo barbarsko.

Matisse je za prikaz tega plesa uporabil le tri barve: modro, zeleno in rdečo. V skladu s tradicionalnimi fauvističnimi barvnimi združbami ti trije odtenki ustvarjajo močan kontrast. Vendar Matissov cilj ni bil šokirati občinstva. Nasprotno, skušal je združiti ljudi med seboj in z naravo. Kot je dejal umetnik, "o čemer sanjam je uravnotežena, čista in umirjena umetnost, ki se lahko izogne težavam ali razočaranju."